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Entrevista a Diego Morales

Siguiendo con las entrevistas que he realizaco pora aquí o por allá, les dejo un resumen de la realizada a Diego Morales, justo cuando lanzaba su segundo disco llamado "Calmao". Este registro también lo publicó la gente de Especial 35°.

Pulso Morales.

Después de publicar “El dub de los pobres” hace casi cuatro años, Diego Morales vuelve con “Calmao”, su nueva y ambiental versión de música electrónica criolla. En esta entrevista relata sin apuros los recorridos de su experiencia en solitario y los caminos que abre junto a Fredi Michel, su más importante proyecto paralelo.


Primer camino

La presentación de “Calmao” (Quemasucabeza, 2007) el pasado 31 de Marzo en la Berenjena dejó un gusto a poco en la mayoría de los asistente. No es muy común poder ver a Diego Morales en vivo y por lo mismo aquel lanzamiento ilusionó a varios sobre el contenido del disco que tardó tres años en estar listo. Su presentación fue corta, quizás la dosis justa para presentar un “Calmao” que a fin de cuentas no se lograría disfrutar en un lugar como La Berenjena. Según el propio Morales: “En general no me gusta mucho tocar en vivo, porque no tengo los implementos o mis temas son con demasiadas pistas como para interpretarlas en vivo, es medio extraño. Pero justo esa vez fue corto y todo, pero me sentí bien, cómodo, me gustó harto. De todos modos, hay lugares más apropiados para mi tipo de música, teatros o salas más adecuadas.”

Quienes lograron apreciar ese pequeño set recordaran el segundo piso del bullado local capitalino como un cuadro de adornos ambientales que entraban y salían desde la mesa en que Morales manejaba perillas y programaciones. El contenido era “Calmao”, la segunda entrega desde que este muchacho comenzó a trabajar su música desde un soporte electrónico.

Mucho antes, Morales se dedicaba a armar bandas, todas ligadas a otro tipo de sonido: “Partí como a los trece años, agarrando la guitarra, sacando temas de Nirvana y cosas así. Igual de más chico siempre me gustó tocar batería en el aire, típico, y como mis amigos lo sabían cuando armamos una banda me dejaron en la batería, porque según ellos yo sabía llevar el ritmo. Pero esa era una banda media hardcore”.

Después el camino se fue abriendo y comenzó su relación con otros estilos musicales que también abrieron su oído y la posibilidad de trabajar hacia otras direcciones. A comienzos de siglo Diego Morales ya experimentaba con la electrónica casera: “Al tener computador empecé a jugar con sintetizadores básicos, conocí programas como el Cool-edit…Ya en 2001, comencé a grabar más bien, con más fidelidad”.

Pasaron dos años y Morales se dio cuenta que tenía varios temas compuestos, temas que según él le servirían para armar una especie de demo inicial. El resultado fue su primer disco “El dub de los pobres” (Luna Records, 2003). Morales recuerda: “cuando armé esta especie de disco, pensado como demo, lo mande a Perdidos en el Espacio. Otavio Verbacok (Esqueleto) dijo que estaba súper bueno y que era un disco más que demo. Él se interesó en editarlo y se hicieron 30 copias”

En aquel disco Diego Morales anunciaba su especial gusto por la combinación de distintas melodías y sonidos, todo siempre inclinado hacia un ambient casero; un disco a ratos más elevado y amable, mientras en otros más oscuro y entramado.
Para Morales este largaduración significó sus primeros pasos por el camino que hoy desarrolla con “Calmao”. Según él ese sonido se logró al mezclar la experiencia sonora que acarreaba, la primera música electrónica que estaba escuchando y el formato lo-fi que tenía a mano.

Pasaron casi cuatro años y Diego Morales siguió trabajando su sonido. En el camino todo el material desapareció al averiarse su computador, lo que significó retrasar la salida de un posible nuevo disco. Desde esa fecha Morales prefirió tomarse las cosas con calma y no apresurar su música. “Calmao fue un trabajo lento, calmado, en donde fui armando temas, sumando pistas, siguiendo esto ambient que también estaba en “El dub de los pobres”, pero que antes era más ecléctico. Antes todo estaba metido en el mismo saco, en cambió “Calmao” es más distinto, mucho más relajado…”
Ese trabajo demoró tres años y se expresa en ocho temas que bajan un escalón y se desplazan por un ánimo más apagado que “El dub…”. El resultado es una obra donde entran y salen sonidos, se arman canciones etéreas, todas entrelazadas y de carácter similar. Un disco envolvente que obliga a una escucha alejada de cualquier distracción.

Al mismo tiempo que fue producido, “Calmao” también le permitió entender los caminos que estaba recorriendo su música. Por una parte el disco lo llevaba por un recorrido similar al de su debut, pero en paralelo comenzaba a elaborar un plan ligado a las pistas, la música bailable, su gusto por ser dj y el tecno. Todos proyectos que espera concretar pronto y que sea asoman al acompañar a Javiera Mena en su ruta pop y al seguir la marcha de Fredi Michel.


Revisa el resto de esta entrevista en Especial 35°, una página web muy buena!

Entrevista a Diosque


Por gracia de las buenas vacaciones de verano, pude entrevistar a Diosque, un músico trasandino que hace unos meses visito nuestro país y El Mapa, obvio. Para ese entonces mi programa dormia la siesta, así que la gente de Especial 35° publicó la larga entrevista que ahora la pueden releer acá:

Diosque: el arte de descomponer.

La publicación de su tercer y más importante disco, “I can cion”, sitúa a Juan Román Diosque como una de las figuras más interesantes de la nueva camada de artistas del otro lado de la cordillera. Aquí adelanta detalles de su reciente publicación, sobre cómo entiende la música y sus urgencias como compositor.

Yo y mis influencias

Fines de febrero en Buenos Aires. Los habitantes caminan atrapados entre un tráfico horrible y un clima espantoso que descarga olas de calor húmedo. Los únicos suspiros son las lluvias inesperadas que caen tan abruptas como tranquilizadoras. De eso sabe muy bien Juan Román Diosque, autor de su propio suspiro veraniego: “I can cion” (Art PM / PopArt, 2007). Para él, la aparición de su tercer disco es un refresco esperado, anunciado y hasta algo retrasado.

Sentado frente a un pequeño vaso de Coca–Cola que intenta calmar nuestro calor, Diosque se ofrece sin problemas a relatar el camino recorrido desde que salió de su natal Tucumán hasta aparecer como uno de los rostros más refrescantes de la escena independiente trasandina. Y tampoco es que lo sea tanto, pero frente a un panorama mucho más reducido en Tucumán, su propuesta sonora resaltó al poco tiempo de llegar a la capital. Y eso sí es lo que Diosque andaba buscando: “Hacer música en Tucumán no es tan distinto. Siempre he sido yo y mis influencias, pero la gran diferencias es que en Buenos Aires puedo tocar más y más seguido. Quizás ahora no tanto, después de lo de Cromañon, pero igual en Tucumán todo es mucho más reducido. Puede que sea porque es una provincia y quizás es más conservadora…Al final yo estudiaba comunicación social y hacía música, pero siempre supe que no me iba a dedicar a lo que estudiaba, entonces me vine pensando en tocar más”.








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Con ese montón de expectativas comenzó a desarrollar y presentar con mayor frecuencia su sonido. Fue invitado a festivales internacionales e incluso actuó en el Festival Periferias de España, siempre acompañado por su sampler incondicional. Y aunque la educación musical de Diosque no parte en su sampler, con él se inicia su proyecto más ambicioso y solitario.

Acostumbrado a armar bandas inspirado en el noise tipo Sonic Youth o My Bloody Valentine, al comprarse un sampler en 1999 todo despegó hacia otras direcciones: “Con eso me desligué de la dependencia de otros músicos y comencé a trabajar solo, grabando cosas en un minidisc que me prestaban, haciendo bases, cantando encima. Me dio la libertad de hacer música electrónica y al mismo tiempo canciones, siempre mezclando la música de pistas, el house, el tecno y la lírica.”

Este nuevo rumbo compositivo completó una primera búsqueda musical en Diosque. Lo primero fue publicar de manera independiente su disco llamado “El arte descomponer” en 2000, para dos años después presentar “Sonidos Roto” un disco que se puede descargar libremente por la red (http://www.archive.org/details/pna002). Según Diosque la reciente publicación de “I can cion” sirve para cerrar una primera trilogía muy autoreferente; su último disco contiene temas de las entregas anteriores y es capaz de condensar las ideas de composición del primero más la electrónica absurda del segundo. El resultado es un disco angular, reflejo de un momento preciso en el sonido de Diosque.

Este tipo de composición se basa en la canción corta.
Todos los temas de “I can cion” no sobrepasan los dos minutos y algunos ni siquiera alcanzan lo sesenta segundos. Esto no es un recurso forzado, sino la manera en que Diosque se enfrenta a la canción: “Cuando compongo me gusta estar sorprendiendo en cada paso. Que pasen cosas muy seguidas, mucho, y en poco tiempo. Eso me excita. Cuando algo se hace largo o intenta volver a una parte del tema o agregar un puente… no me sale, prefiero que sea corto, intenso. Hasta agresivo.”

Esto recuerda a otros músicos de su generación como Aldo Benítez, próximo a presentar su debut “El portafolio sin peso” que también rodea la canción corta, todo inspirado en la idea de la repetición, de volver a poner un tema una y otra vez. Frente a la comparación Diosque asiente y se identifica: “A mí me pasa lo mismo. Por ahí y es el reflejo de la composición; con lo que más trabajo es con el azar, con la espontaneidad. Muchas veces compongo y grabo al mismo tiempo y a partir de una pieza después la sigo produciendo. Mi forma de trabajar tiene que ver con la postpodrucción y el azar. Lo mismo pasa con las líricas. Las letras me salen…nunca me siento a componer o decir “voy a escribir una canción”. Directamente me sale. También pasa con tocar en vivo. Ahora que estoy con mi banda no ensayamos, nosotros tocamos. Tenemos que estar inspirados. Eso es un reflejo de la manera de componer: si te salio un disco, entonces también te salio un show”.


Hay canción

“I can cion” es el juego de palabras que nace de Diosque para presentar definitivamente su música y también es un estreno anunciado por el sello de Art PM (propiedad de Pop Art), casa de algunos discos de Babasonicos, Juana la loca o Rosal. Juan Román Diosque comenzó a trabajar en él hace dos años y su publicación lo contenta pues como músico ya está en otra. Actualmente está acompañado por dos integrantes que se unen en una segunda guitarra y batería. Esta nueva formación deberá acomodarse a las canciones de un disco grabado en solitario para la presentación oficial en abril próximo.
Este delicado trabajo individual se gestó en al menos dos etapas. En sus palabras: “el disco pasó primero por algo muy low-fi mal, tipo micrófono casero, a hacer tomas en un estudio hace dos o tres meses. Al final, grabe cosas en estudio y en casa. Por ahí y es un poco low–fi…..enchulado. Mezcla cosas viejas mías de hace dos años hasta tomas muy recientes.”

Estas dos formas de trabajar el disco están definidas por un personaje clave que aparece en el tránsito de Diosque. Se trata de Daniel Melero, nombre obligado dentro de la música trasandina del último tiempo y director artístico y postproductor de “I can cion”: “A Daniel me lo presentó un amigo. (Melero) Daba unos cursos muy reducidos que se llamaban “Desaprendizaje audiovisual”, a los que estuve yendo un tiempo. Ahí nos conocimos, él escuchó mi música y nos hicimos amigos. Con el tiempo yo me distancié de los cursos…luego él me llamó y preguntó si podía subir algunos de mis temas a su sitio, porque le parecían muy buenos y que le gustaría trabajar conmigo en algún momento. Así nos comenzamos a juntar y después me invitó a participar en su banda como baterista y hoy estamos haciendo música juntos”.
Melero estuvo a cargo de la segunda etapa, siguió de cerca las grabaciones en estudio que faltaban para terminar “I can cion” y además se encargó de hallar una buena vitrina para difundir la música de Diosque. “Cuando Daniel terminó el disco se lo presentó a sus contactos porque realmente le parecía algo interesante de publicar. Los que mostraron mayor interés fueron los de Pop Art (dueños de Art PM) y la cosa era esperar a que me lo sacara otro sello o aceptar la propuesta de los más interesados.”

Este aventón por parte de Melero a Diosque le sienta bien. Le asegura una distribución en Argentina y también en el extranjero, además de estar bajo la tutela de la cadena de sellos más importante del otro lado de la cordillera. De todos modos, este escalón más cerca del mainstream ni siquiera lo movilaza a pensar en un mercado mayor: “Me siento cómodo, me gusta que alguien venga y te diga que quiere editar tu disco. Y lo que me interesa es sacar discos y que sean publicados. Quizás a ellos les interesa más tenerme en su catalogo que para mí estar en un sello mainstream. Lo bueno es que están concientes que yo no soy un artista con perfil popular ni con un fin masivo. Saben que no me van a poder vender…y por ahí está bueno. Además sacar el disco me convenía, por mi urgencia de publicar porque ya tengo otro disco encima”

Este posible nuevo disco está siendo gestado con la nueva agrupación tras Diosque y continúa con la idea de las canciones cortas y entrelazadas: “Son como diez mil canciones cortas, todas muy parecidas. Todas son partes, terminando, comenzando; hay autocitas todo el tiempo, mezclándose un estribillo con otro. La letra de un tema responde a la letra del tema que acaba de pasar, en fin… Es como una hipertextualidad musical.”


El drama de siempre

Diosque no puede escapar del lugar que “I can cion” le adjudica. Su disco lo transforma en una figura capaz de mezclar un concepto desarticulado de canción al mismo tiempo que juega con instrumentos y música electrónica. Su propuesta es una de las nuevas voces que surge de una Argentina cada vez menos desconocida para nuestro país en cuanto a música independiente se refiere: “Me encantaría formar parte de una nueva generación que esté haciendo cosas, si es que las está haciendo. Y a mí me parece que sí está ocurriendo, siempre es así. Los artistas que hace quince años decían cosas, hoy ya no las están diciendo. Y yo en diez años voy a estar en otra y se va hablar de nuevas gentes. Siempre pasa lo mismo… Igual no es mucho, aún es muy discreto. Por ahí y se está gestando. Quizás este año pasen cosas más grandes. Estoy seguro que pertenecemos a una canción de recambio, además que nos parecemos mucho, en la forma de ver la vida, en la visión de mundo que tenemos y ahí ya hay comunión”

Chile cada vez más se acostumbra más a escuchar hablar de bandas como Los Álamos y El mató a un policía motorizado, en el rock y personajes como Coiffeur o Aldo Benítez en la canción pop y más ligada a Diosque. A ratos se debe por la relación de músicos como Javiera Mena y Gepe quienes han interactuado con aquellas voces trasandinas, pero también por una generación de recambio marcada por la crisis financiera de principios de siglo y por la muerte de casi doscientas personas en la tragedia de rock en República de Cromañon.

Semejante catástrofe humana y cultural terminó por hundir la escena musical y desbarató los pocos cimientos en que se puede sentar la cultura under de cualquier capital. “Afectó en todos los estratos de la música. Desde el under y el más bajo under hasta los escalones del mainstream. Quedó muy difícil el tema de conseguir reunir gente en un lugar, los permisos, la paranoia generalizada, etc. Cada vez hay menos lugares. Es jodido porque no podes hacer las cosas completas, cuando tocas quieres que salga en alguna parte, más allá del mailing…al final es cosa de tempo a ver qué pasa.”

Un tiempo que para la mayoría de las nuevas bandas significa abrir nuevos espacios, lugares casi clandestinos para tocar, promocionando vía mail, blogs o fotolog. Un trabajo que debe ligar con el temor permanente a la policía federal capacitada para clausurar espacios que aunque cuentan con la reglamentación obligatoria no son bien vistos por el nuevo orden cultural del gobierno de Buenos Aires tras la tragedia en Cromañon.
Por lo pronto Diosque verá su tiempo dividido entre ese mismo esfuerzo y el pronto estreno en grande de “I can cion”, el trabajo junto a su banda y como baterista de Daniel Melero.

Al final nuestra Coca-Cola se comienza a acabar y ya no quedan más preguntas. A fuera, en la calle, todo sigue igual: mucho ruido y tránsito violento. Buenos Aires no se detiene por una entrevista estival.
En la despedida Juan Román Diosque camina contento y relajado por calle Corrientes.
Quien escribe se queja una y otra vez del calor
Diosque no.
Para él ya refrescó.

Superflow

Hace unas semanas tuve la suerte de ver en vivo a un rapero chileno que vive en Barecelona: su nombre es VanBuda y acá les dejo la reseña que escribí de un show que presento en nuestro querido Santiago.

VanBuda
Sala SCD Plaza Vespucio, viernes 14 de septiembre

VanBuda, en su disco Polémico (2004), no para de autoproclamarse emigrante. Ya sea en Barcelona o en Santiago, ser un desterrado no le causa problemas, sino al contrario, de esa experiencia sus rimas se van enriqueciendo. Por cosas del destino, todo ese botín fue apreciado pocas veces por el público chileno; la deuda fue creciendo, y tras varios años de ausencia, VanBuda recién puede volver para mostrar en vivo el estupendo material de su debut. En una noche rodeada de amigos y seguidores más que contentos desde sus butacas, la deuda se intentó pagar.

El comienzo hizo subir la temperatura del ambiente. Los que esperaban a VanBuda fueron recibidos por los tonos latinos de Del Son Cru (con el ex Pozze Latina, Hernán del Canto incluido): cinco muchachos que mezclaron funk, rimas y muchos referentes centroamericanos para sazonar la sala que de a poco se comenzaba a poblar. La utilización de una paleta bastante amplia de condimentos no tardó en alegrar a los asistentes. De todos modos, y sin pecar en la duración de su repertorio, terminaron rápidamente en medio de aplausos y ansias por ver al pródigo maestro de ceremonias que regresaba a la capital.

DJ Caso y Moreno, como únicos acompañantes de VanBuda, se dejaron ver entre las bases que comandaba el primero y los coros que entonaba el segundo. VanBuda apareció luego, con el respectivo aplauso de sus seguidores, rimando la canción que abre Polémico, "Donde naces", una suerte de declaración de principios para su carrera y para lo que vendría esa noche. El sonido se disparaba y entre las primeras rimas logró cuadrarse para acompañar como debía: mucho bajo, mucha base sonando al límite y el particular fraseo de VanBuda, mezcla de acento español y modismos chilenos.

De ahí en más la presentación del chileno-barcelonés daría cuenta de una dotada capacidad para rimar, una actitud dura y al mismo tiempo cercana con la gente, además de un repertorio de alto nivel. Se trató de ese rap más ortodoxo, fuerte y que se enlaza al sonido de Solo los Solos o de otras bandas ibéricas; canciones sobre sexo, el barrio, las mujeres y el propio arte de ser un rapero con todas las de la ley. Su sonido no es necesariamente parecido al hip-hop chileno y eso fue agradecido en la sala: mucho sabor y bases cercanas al reggaetón movieron a los asistentes. Gran parte de su repertorio fue coreado por jóvenes fanáticos que alzaban las manos en aprobación.

En su mayoría, las canciones en el escenario pertenecieron a Polémico, su registro hasta la fecha. Gracias a ellas se despidió ante una sala que pedía mucho más y aprobaba de pie el regreso de su rap. Si algunos pocos ya lo conocían por su participación en algunos registros de Makiza o en su papel en el dúo ZicutaEjecuta, esta velada sirvió también para presentar oficialmente a uno de los raperos más desconocidos y con mejores capacidades del circuito. Un gran registro, enmarcado en el ciclo "Rapeado y zapateado", que en sus próxima entregas contará con otros buenos exponentes de este estilo: Calambre (viernes 21) revisando sus discografía y Seo 2 (viernes 28) en la última de las jornadas.

Este artículo fue publicaco por la página chilena Mus.cl


Coiffeur / Qué mala suerte

Este video me gusta mucho. Lo realizó Gabriel Rud junto a Romina Davis para esta canción del argentino Coiffeur. Esta buenísimo la imagen y el movimiento, yo lo recomiendo mucho. También de paso recordarles que en mis links está El monte análogo, un programa de radio que hace Gabriel y que están muy cercanos a cumplir un año de vida. Y obvio, si les queda tiempo escuchen a Coiffeur en El Mapa, en un especial donde celebramos los 60 episodios!



F!

OLGA en Chile!!!!


Amigos, los invito al siguiente evento.

OLGA prepara doble visita a Chile

En plena promoción de su primer disco titulado “Flora y Fauna”, la banda trasandina OLGA se presentara en nuestro país los días 13 y 14 de octubre de 2007. El dúo compuesto por Roger Delahaye en las guitarras y programaciones, y Flor Zavadivker en la voz y teclados aprovechará de presentar su actual producción tras acercarse a este lado de la cordillera con la canción “Sol Mayor”, dulce ejemplo del pop que realizan y que forma parte de nuestro tercer compilado “Neurotyka 2999 vol. 3”.

Ya conocidos en su país por ser los naturales herederos del sonido de bandas como Entre Ríos y una revelación dentro del espectro pop trasandino, OLGA espera cruzar la frontera e iniciar esta mini gira con su primera presentación en la capital, programada para este sábado 13 de octubre en Sala Master de la Radio de Universidad de Chile, acompañados por Dënver, desde las 20:30 hrs.

La gente de Valparaíso también podrá deleitarse con las suaves melodías de OLGA, pues ofrecerán un segundo show en el Bar Tertulia, está vez junto a Ensayos Nucleares y Dënver desde las 21:00 hrs.

Dos invitaciones para seguir conociendo a OLGA, dúo que ha cosechado buenísimos comentarios de la prensa de su país por “Flora y Fauna” (Índice Virgen), debut que mezcla una particular visión del pop, electrónica y canción de autor. Escucha más de sus canciones en su página oficial o en su myspace.

OLGA en Chile:

Olga + Dënver
Santiago – sábado 13 de octubre
Sala Master Radio Universidad de Chile
Miguel Claro 509, Providencia
21:00 Hrs. – $2.000

Olga + Dënver + Ensayos Nucleares
Valparaíso – domingo 14 de octubre
Bar Tertulia
Esmeralda 1083
21:00 Hrs. – $2.000

Ojala puedan difundir esta información, sobre todo porque la escribí yo en mi humilde ayuda a mi querido sello Neurotyka F!

Gepe en vivo para El Mapa

En mi querido programa de radio, EL MAPA, a veces trato de invitar a gente a cantar.
Acá el Gepe cantando un cover ultra cool que la gente en el YouTube quiere mucho.
La canción es Domino Dancing de los Pet shop boys.



Muchas gracias a los amigos de eldominio.cl que me ayudaron con esa entrevista- minitocata- videos.
F!

Picnic Kibun / Ep


Picnic Kibun

Picnic Kibun EP
(2007, Picnic Kibun)


Hay maneras y maneras de presentarse. Algunos eligen ser prudentes y otros prefieren no demorar el contacto y tirar todas las cartas sobre la mesa. Los cuatro muchachos tras Picnic Kibun prefieren correr el riesgo y tomar la segunda opción, mostrando en este EP todas las urgencias de la incipiente banda que conforman. Cada una de las cinco canciones que arman el disco fueron presentadas en su blog, luego subidas a podcast y ahora asumidas como un primer registro sónico. Todas armadas y publicadas inmediatamente.

Conformados como una banda de instrumentos y programaciones, Picnic Kibun abren este disco en miniatura con "Adolescent reactionary". La canción es la que más los emparenta con el hip-hop tradicional y es la encargada de anunciar el papel principal que ocupan las paranoicas declaraciones de Harvey Jones, vocalista japoamericano que además se hace cargo de las guitarras. Una pequeña declaración de principios borrada con el codo y vuelta a escribir con "Drop your panties". Acá ya invitan a bailar, a liberar todo sin sutilezas.

Hasta aquí queda claro que nadie oculta las ganas de volcar los recursos al baile, pero es en "Mawashite" donde los sonidos de consolas se mezclan con baterías aceleradas hasta estallar en el canto en japonés del vocalista. Tres minutos de electropop con aires de rap que encanta por su naturaleza popera y no por un delirante juego de pastiche. Sin ser la mejor canción del disco es la que más explota y más se recuerda.

Terminado el escándalo viene el gusto por el silencio y los estribillos que no podían faltar. Un respiro que parte con la dulce "Pink 'n blue", la más amable de todas las canciones. Adornada por delicadas frecuencias electrónicas y cuidados detalles, es una pieza pop divida en dos partes, la última con una especie de estribillo rapeado que entrega la mejor canción de todo el disco. Al final también se oye el gusto por la música negra: "Oh gran señor" se desliza entre percusiones que siguen invitando al baile, más una guitarra que despunta y una sensualidad creciente.

Sin duda la gracia de este EP es la capacidad de fusionar estilos y de armar un campo de posibilidades sonoras que no se atoran. O mejor dicho, una presentación que es menos delirante y más prometedora de lo que a primera vista se piensa.

Esto también logró ser publicado por Mus.cl, visiten esa página también.

Cuestionario a Mic y Mouse

Mic y Mouse es el proyecto musical del argentino Santiago Vallesi. Unas músicas muy buenas son las que hace él y que de a poco fui conociendo gracias a su grandísimo fotolog. Acá les dejo un resumen del cuestionario que le realice por mail y que se publicó en el blog de mi programa de radio, El Mapa.


Has tocado y sigues tocando en varias bandas (Televidentes, Iguana Lovers, acompañando a Diosque, quizás otras más que desconozco). ¿Cuándo preferiste armar tu proyecto en solitario?

Fue en el 2004. Después de tres años de inactividad musical, me llamaron para tocar el bajo en la banda de unos amigos que se llama Modular y entonces recordé que me gustaba mucho esto de hacer música y volví a hacerla. Ahora he vuelto a participar de otros proyectos (Diosque, Hana, ocasionalmente Electrón, Amadeo Pasa) y encuentro que interpretar temas compuestos por otros nutre mi capacidad de generar material propio, no es que me robe sus ideas, pero creo que es bueno poder entender la música desde la perspectiva de otros, es enriquecedor.

Has tocado ya un par de veces acá. Qué imagen tienes de Chile. Qué sabes de nosotros en relación a la música, por ejemplo.

Me encanta Chile (lo digo sin un ápice de demagogia), la verdad es que quisiera seguir yendo para allá todas las veces que me sea posible, aunque sea de vacaciones.
Para ser honesto debo decir que antes de ir allá tenía muy poca idea respecto de cómo era la escena musical local, pero ya en el primer viaje que hice descubrí que había artistas impresionantes como Leo Quinteros, Mostro, Javiera Mena, Gepe o Termita. Seguramente hay otros que no conozco, pero ya los voy a conocer con el correr del tiempo.

¿Qué valor le entregas a los blogs, fotologs o cualquier tipo de medio de comunicación que nace desde los sujetos hacia la ciudadanía?

Es algo impresionante, como por arte de magia cada persona dispone de los medios necesarios para expresar sus ideas, por banales que estas sean, ante sus pares. Es como si cada persona tuviera la facultad de convertirse en redactor y editor de su propio períodico. Millones de personas mostrando lo suyo libremente y lo peor que te puede pasar es que nadie lo vea. En una época yo había querido dedicarme a diseñar sitios web en flash, pero con la explosión de los blogs comprendí que el futuro de Internet estaba ahí, que no tenía sentido cobrarle dinero a la gente para hacer un sitio web cuando cada uno puede diseñarse el suyo muy fácilmente y gratis.


Ya saben, pueden seguir leyendo más de Mic y Mouse acá.
Lo último es este video de la canción "Ni un lugar a dónde ir" que es mi favorita.



F!

Blit / tu segunda razón


Blit

Tu segunda razón
(2007, Neurotyka)




Cristóbal Korenblit toma las últimas cuatro letras de su apellido para escudarse en Blit, proyecto individual con que lanza su primer disco. Su alias despuntó a un sector más o menos masivo cuando en el compilatorio Neurotyka 2999 vol. 1 (Neurotyka, 2006) su tema "Devuelve la llamada" dejaba al oyente con la boca abierta: era la primera canción que sonaba y surgían las dudas sobre quién era este joven compositor electrónico. Ese fabuloso despunte de seis minutos parecía decir bastante, y quizás hasta terminó por anunciar demasiado.

Esa canción no forma parte del repertorio de Tu segunda razón (Neurotyka, 2007), primer disco oficial de Blit y suerte de reflejo de los primeros pasos de este músico: los nuevos quince cortes fueron seleccionados del trabajo realizado entre fines de 2004 y principios de 2006, etapa en que nace este proyecto. Un tiempo largo de creación que espera quedar plasmado de la mejor manera.

El resultado es dispar –se echa de menos un tema tan bien logrado como "Devuelve la llamada"– y su duración es algo excesiva, aunque el disco resalte sin dudas por una lucidez electrónica que en Blit parece innata. Acá no sólo hay un juego de cortar, pegar y armar un conjunto de pastiches. En su composición, Blit da un paso más arriesgado y presenta su gusto por la música negra, los sonidos que se van elevando y el hip-hop. Hay cierta melancolía que atraviesa todos esos estilos y los devuelve en un sonido exquisito que ya puede caracterizar a este joven músico en temas como "Tu segunda razón", "Se viró" o "Hierba mate".

Por otro lado, Blit también se perfila como un compositor capacitado para –sin dar un paso fuera de su estilo– generar adictivos trances melódicos de tres minutos. A ratos se extraña la colaboración de alguna voz que dé aún más vida a esos pasajes llenos de samples como son "1 AM" o "ABC steps". O quizás les falta un ingrediente, no necesariamente una voz. El punto es que hay buenísimo material en ellas, pero la sensación es que algo está flotando, que algo podría llegar y darles el golpe final para convertirlas en piezas impecables.

Ambos tipos de canción aparecen y se quedan atrás, reaparecen y se conjugan, arman un disco poco claro en su propuesta final, pero que a momentos parece entregar toda la información como para saber qué hay detrás de Blit. Por ahora la espera de la respuesta no debería agotarnos; aquí ya hay buen material como para sentarse a escuchar mientras llegan más y mejores canciones.

Este comentario fue publicaco por Mus.cl hace varias semanas.
F!

Aldo Benítez

La gente de Súper 45 publicó esta semana un humilde artículo realizado por mí en su sección "Atención con...". Es una entrevista clásica para conocer un poco más sobre el músico trasandido Aldo Benítez. Acá les dejo un par de respuesta para que se animen y lean lo demás :

Acompañado de su mini guitarra eléctrica y de las programaciones de sus temas, el músico argentino Aldo Benítez se presentó un par de veces en Santiago, junto a $990 y abriendo un show de Javiera Mena. Actualmente, acaba de publicar su debut El Portafolio Sin Peso, donde la promesa de su pop fresco se alza como uno de los más interesantes y logrados estrenos trasandinos.

¿Cuándo comenzaste a armar tu propuesta en solitario?
Una vez que Rock Set (grupo de música experimental que llevo adelante junto a Coiffeur) se transformó en un proyecto intermitente comencé a dedicarme seriamente a mi proyecto solista. Algunas canciones estaban compuestas, otras la armé antes de empezar a grabar, otras tantas sufrieron modificaciones al entrar en el álbum. Muchas otras fueron compuestas en un taller de composición que llevo adelante junto a Rosario Bléfari y a otros amigos que hacen canciones

Tu disco suena muy pop, pero en pequeñas dosis ¿Te anima la idea de transformarte en un cantautor pop o el formato te da lo mismo?
Me hago cargo de que mis canciones coquetean con el pop mainstream en muchos casos pero en dosis pequeñas. No es que el formato no me interese, pero trato de que me tenga sin cuidado, de no ser prejuicioso a la hora de componer. Pienso que el estilo siempre debería ir más allá del género, que los géneros están dados no para casarse con ellos, sino más bien para usarlos como si fueran los colores para pintar un cuadro, una obra que será única e irrepetible dependiendo de quién maneje los colores cada vez. En ese caso, no me molesta ningún rótulo y sí, claro que me anima la idea de ser un cantautor pop, que mí música le llegue a la mayor cantidad de gente posible. Hace poco leí en una entrevista que Dargelos, de Babasónicos, decía que todos los que se suben a un escenario a cantar una canción propia quieren que todo el mundo los ame. Pienso que es tan cierto y tan duro a la vez para todos los que lo hacemos, es como estar desnudo y mostrar una necesidad súper universal en un sencillo acto del que luego todos y cada uno tendrá derecho a opinar.

¿Qué valor le das a la autogestión y autopromoción en tu propuesta?
Me parece que es un valor básico, indispensable.

¿Qué lugar ocupa Internet en todo eso?

Un lugar fundamental, la existencia de sitios como MySpace y YouTube hacen posible que muchos artistas podamos saber de la obra de muchos otros de manera directa y sin tantos rodeos, además de ser ambas bocas de difusión muy importantes. En este momento estoy planeando avisos comerciales de la salida de mi disco para colgar en YouTube por ejemplo.

Ya saben, pueden leer la entrevista completa acá
Si les queda tiempo y ganas también pueden escuchar en vivoi a Aldo Benítez en mi programa El Mapa si pinchan aquí.

Saludos, F!